Exposição "Porta da saída", AM Galeria, São Paulo, 2025
Gabriel San Martin1
Critioo de Arte e editor do @artequeacontece
Ao partirem de um esboço, os passos seguintes de Marinalva Rosa consistem em fragilizar cada degrau anterior. Não sem razão, o tom figurativo dos trabalhos se alimenta da exaustão de referências claras. São planos que exercitam a maleabilidade de qualquer rigidez, de modo que se alastram pela maior parte das pinturas tampando e se flexibilizando uns aos outros como se afirmassem a dependência de cada elemento enquanto sujeito à formação do restante. Repetidamente alternadas e reconfiguradas as diretrizes para a disposição dos limites de cada coisa no plano, um componente só se faz finalizado à medida em que a pintura inteira está completa. Mesmo nos casos em que esse encobrimento se dá mais sutilmente, os campos modulam a sua fisionomia interna à revelia do restante nessa mesma interdependência entre um elemento e outro por meio não de sobreposições, mas de infindáveis adaptações e clivagens da sua forma à expansão ou contensão do restante – como se um campo empurrasse o outro na tônica de certa desorganização ostensiva. E, se uma coisa se forma somente a partir do todo, sugerir que algo veio “antes” ou “depois” se transforma quase que em um vício de linguagem. Não há “antes” e “depois” dado que os elementos, na verdade, vivem uma definição incerta até que estejam todos finalizados. Afirmar a finalização de uma figura é dizer que o trabalho está pronto. A aparência inicialmente jovial ensaiada pelas pinturas de Marinalva é, na verdade, enevoada pela extensa reiteração de incertezas que as envolve. Como que sedimentadas pela intangibilidade de qualquer solidez das definições sobre o que foi ou será, as distâncias temporais caducam e os trabalhos tropeçam em certa dissolução liquefeita das formas prometidas pelos seus planos iniciais – garantindo, então, uma maleabilidade completa ao esboço das composições. Se a maior parte dos componentes direciona o olhar para baixo, cima, esquerda ou direita em cada trabalho, a regra é dois ou três elementos escaparem à equação. O conjunto, afinal, parece familiarizado com o descompromisso do futuro quanto às expectativas do presente tanto quanto à lógica movediça que engole um passado pretensamente resolvido. Arremessadas às próprias conduções, as formas enferrujam a estabilidade das suas localizações e habitam, com isso, um mundo de contingências inalienáveis. Seja pela contração gravitacional ou pela elasticidade dinâmica que exercitam, a cor viola existências estanques ou qualquer morosidade atrelada à extensão de um recorte temporal dilatado sobre o outro. A ideia de intervalo é aqui, no fundo, uma utopia rouca. Feito um amalgama, as formas são edificadas sob a égide de um presente que, durando até o fim da 1 O texto, apesar de escrito a duas mãos, deu-se todo – até na escolha do título – na esteira de trocas
1 O texto, apesar de escrito a duas mãos, deu-se todo – até na escolha do título – na esteira de trocas tecidas entre encontros, ligações e mensagens com Rodrigo Naves, ao qual, por razões das mais diversas, eu não poderia ser mais grato.
ladeira, não dura nada. Resta, por bem e por mal, o aqui e o agora na busca de uma janela que se abre nela mesma. Ao emular a sugestão de ausência enquanto recurso mediado pelo uso de um branco semelhante ao da tela vazia ou de um espaço não preenchido, os trabalhos erguem uma integração capilar entre os componentes descumpridos e as projeções ansiadas. O esboço – que, no caso da pintura, costuma a ser o esqueleto que direciona o percurso da cor – sofre aqui uma tensão por lacunas que funcionam como manobras preenchedoras. Garantindo aos planos preliminares sentidos avessos, são evitadas sugestões de espera ou da lógica de um preenchimento do molde que se adia: rascunhos parecem feitos para serem remodelados na medida em que a pintura acontece. E, com isso, reiteram um aspecto de preenchimento por meio da ausência ou de expectativas, já de início, suscetíveis à reconfiguração e ao descumprimento do figurino. Como que evaporadas as ânsias homéricas de uma grandiosidade pela frente, os trabalhos encontram no desencanto a sua redenção. O fato é que a diluição de um evento e a passagem para outro permite uma formação entre passos curtos e apressados da qual sobra uma indefinição do desenho que se transforma em generosidade, bem como o curso errante dos planos se engrandece a acerto. A espécie de desajuste inquieto que orienta o preenchimento abraça uma geometria que, ansiosa por ordenar, termina encravada na própria desorientação. O esgotamento do apetite inflamado de uma noite de amor ou da ardência de uma vontade frustrada se tornam, no fundo, a verdadeira ressaca do amadurecimento na sua justa medida. Mas a crença num voo sóbrio em que se entalham essas pinturas é, enfim, o vértice da sensibilidade cotidiana e modesta pela qual Marinalva parece ensolarada.
Calculadamente acidentais, as configurações só tomam sentido ou clareza quando o chão lhes escapa aos pés. Pintar é aqui uma busca radical por se perder. Mas o que encaminha o conjunto à infalibilidade dos planos que segue é mesmo a ausência de um ponto de partida, a tomada do tropeço enquanto premissa. Sem coordenada, a realidade se dá conta do próximo passo quando o movimento das pernas já se faz sentido, levando cor e desenho a firmarem, na sua maleabilidade descalibrada, uma indefinição derretida que lança os trabalhos ao agora nas possibilidades mais indefinidas. Seja pela moleza dos troncos que sustentam as árvores ou no vacilo de cada sombra na relação com o corpo opaco que lhe consente existência, concretude vira sinônimo de mistério e as pinceladas engasgam com um amanhã atropelado pelo veloz arrastar do acaso. A graça é que, nessa passagem de um para zero, perder o fio da meada é o que orquestra a tudo que seja resolvido na incerteza, de modo que a carência de sentido não encontre um horizonte desestimulado. Aliviadas com o turvo desenrolar que tomam, as pinturas reiteram, ao tom de uma lição goethiana, que “não se cumpre amanhã o que hoje não for feito, e nem um dia só perder se deve”. Agora, nas possibilidades e em tudo o que vem pela frente.
Exposição: “PROJETO PORTFOLIO”, AM Galeria, Belo Horizonte, 2024
Guilherme da Silva Bueno, curador, crítico e historiador da Arte. Professor da Escola de Belas Artes da UFMG
A fronteira entre abstração e paisagem é investida de uma nova tônica nas obras de Sofia Lotti e Marinalva Rosa. Sofia, que lança mão da têmpera e do pastel seco – proporcionadores de uma luminosidade ao mesmo tempo “seca” e aveludada – obtém tanto gradações opacas características desses materiais quanto detalhes em que ocorre um brilho, uma qualidade inesperada na corporeidade usual de ambos. A ambiguidade de uma construção na qual a distribuição das partes evoca a ordenação dos elementos de uma paisagem com formas em silhueta que tendem a divergir de uma figuração registram um processo no qual sistemas que historicamente se opunham (que se pense especificamente no significado do princípio de “composição”) reinventam-se quando esgarçados ou postos à prova nessas flexibilizações de seus “modos de funcionamento”. Marinalva, por sua vez, explora outro tipo de duplicidade: em alguns trabalhos a fronteira entre desenho e pintura – cujas desventuras são bastante complexas, quando lembramos da diversidade de papéis estabelecidos entre elas na história da arte (o desenho ora como suporte, ora como “essência” da pintura; a hierarquia entre as linguagens; o desenho como projeto da pintura) – se dá em uma distensão das linhas / planos, em que a pintura se faz enquanto se desenha, ou, reversamente, quando a largura dos planos pictóricos dissolve a distinção entre forma e contorno, como se alguns planos fossem as duas coisas simultaneamente. O fato disso se dar de um modo no qual pintar é também desenhar (e não uma sucessão de etapas) faz a imagem nascer de maneira ensaística, como um pensamento em ato.
Exposição: “Das Pedras ao Jardim, Passagens", Move Arte, São Paulo, 2023
Elias Muradi @elias_s_muradi, artista e professor
Marinalva Rosa reinaugura formas, que vêm aos olhos com frescor, preenchidas com simplicidade e beleza, da mesma maneira que a natureza faz por costume. Apesar da espontaneidade, é notado o quanto a artista tem predileção por pensar a cor. Isso torna a operação mais complexa, pois, há um balanço cromático que costura os cinzas como vazios perceptivos, evidenciando ainda mais as superfícies intocadas do papel. Com igual naturalidade, vemos sua obra têxtil ocupar a parede. A artista recombina os cheios e os vazios com dobras simples. O gesto manual da costura fala a mesma língua de seus desenhos.
Exposição "Reconstrução", Espaço Contraponto55, São Paulo, 2017
Marco Giannotti, pintor e professor na Escola de Comunicação e Artes da USP (ECA/USP)
Marinalva Rosa parece estar sempre reconstruindo e recobrindo suas pinturas. Certamente este processo veio de suas pequenas e delicadas colagens de papéis de parede onde os padrões cromáticos variados são sobrepostos com gestos que aludem a uma paisagem. Agora, com estas pinturas recentes, a experiência da colagem vai para a pintura, seu trabalho adquire uma maior presença estética sem perder a delicadeza anterior. Paradoxalmente, a variedade dos gestos cromáticos é encoberta por uma neblina branca. O ambiente torna-se assim mais urbano, como uma pintura mural sobre paredes sólidas."
Exposição: “As Coisas se escoram tortas"– Arte Londrina 6, UEL – Universidade Estadual de Londrina, 2017
Professor Danillo Villa
Professor do Departamento de Artes Visuais
da Universidade Estadual de Londrina - UEL.
Chefe da Divisão de Artes Plásticas - DaP
Idealizador e coordenador geral do Arte Londrina
Os artistas parecem querer arrastar uma certa quantidade de material, tinta ou objetos que se acumulam e, através deste ajuntamento, desenvolvem um corpo/objeto. Há uma violação no estado inicial do material para que ele se transforme em outro corpo, mais adequado ao que se quer apontar, e menos idealizado. A pintura e o desenho são citados através de estratégias, como coletas e colagens, e tem como propósito expandir as linguagens, que são de tal maneira ampliadas que parecem escapar de um procedimento reconhecível. Na justaposição de elementos, as formas constituem-se pelo desvio, pelo viés, e tencionam a leitura que poderemos fazer, considerando o contexto de origem, com suas precariedades, como indicativos de uma utilidade anterior, muito longe do lugar onde o trabalho é exposto. A eficiência dos deslocamentos e hibridismos, e a fragilidade das escoras, das colas e das misturas, propõem uma referência furtiva a seres em relacionamento.
Brisa Noronha, Bruna Mayer, Bruno Makia, Erika Malzoni, Guilherme Callegari, Hugo Curti, Luana Navarro, Mano Penalva, Mariana Lachner, Marinalva Rosa, Paula Scavazzini, Rafael Schultz Myczkowski, Rodrigo Arruda, Sergio Borghi, Talita Hoffmann.
Depois tudo feito, o respeito.
Ilana Seltzer Goldstein
Professora do Dpto. de História da Arte na Universidade
Federal de São Paulo - Unifesp
Co-coordenadora do grupo de estudos Práticas Artísticas,
Antropologia e Etnografia - PRAEA
O futuro da pintura, num mundo marcado pela realidade virtual e pela saturação de imagens, é discutido de duas formas diferentes. Marinalva Rosa se lança à força das cores e estampas, à materialidade do papel e da tinta, apegando-se no prazer formal e na busca estética, ao passo que Paula Scavazzini e Maurício Cardoso parecem sugerir que a pintura não goza mais de visibilidade, nem entre artistas, nem para o público. A dupla expõe um quadro coberto por tecido escuro, ao lado de um vídeo que mostra a artista pintando com os olhos vedados.